Teatro Plimpton Shattuck, Boston, MA.
15 de enero de 2023
Estaba esperando a Company SBB // Stefanie Batten Bland’s mira quien viene a cenar para empezar (la compañía con sede en Nueva York de gira en Boston). Normalmente, cuando tomo programas para revisar, reúno mis materiales para tomar notas, mirar el programa y mirar alrededor del espacio del escenario. Inusualmente, uno de los miembros del conjunto se sentó a mi lado y comenzó a hablarme.
Era hilarante y auténtica, pero también me reí entre dientes cuando pensé que su trabajo de interpretación estaba comenzando; lo más probable es que interpretó un «guión» improvisado de interacción con los miembros de la audiencia antes de que las luces de la casa se atenuaran y comenzara la acción en el escenario. (La vi hacer lo mismo con otros miembros de la audiencia después de que conversamos brevemente, y los miembros del conjunto también conversaron con los miembros de la audiencia).
Un momento después, se movía bajo las luces del escenario (diseño de iluminación de Yuki Link, adaptado por Clifton Taylor): el espacio del proscenio la imbuyó con un nuevo tipo de presencia, una de las personalidades de este trabajo en lugar de ella misma. Al igual que el desempeño general, este desarrollo me dejó alucinado: sobre la transformación, sobre la interacción humana, sobre los roles que desempeñamos, sobre cuestionar la naturaleza misma de las cosas tal como nos han dicho.
Ese momento inicial se sintió como mucho más que un momento; la atmósfera tomó tiempo para construir (dirección técnica de Emma Rivera). Los artistas se pararon en una imagen, espaciados uniformemente en la parte inferior del escenario, impregnando el orden y la previsibilidad. Sin embargo, los bailarines comenzaron a moverse, a su vez, y así deconstruyeron este orden y previsibilidad. Posando de nuevo, volvieron a esa sensación de orden estático.
La tensión entre los opuestos, el cambio entre estos polos y la imprevisibilidad de en qué parte de ese espectro aterrizaría lo que estaba sucediendo ante nosotros: todo eso estaba emergiendo aquí, como la vegetación que brota del suelo primaveral recién descongelado. Se volvería más claro y más conmovedor. Pronto, los bailarines comenzaron a moverse con más tamaño, velocidad y virtuosismo técnico, pero siguió prevaleciendo una atmósfera discreta.
Incluso en esta primera parte de «baile» del trabajo, las raíces de Batten Bland en Gaga eran claras: capas para quitar y disfrutar, pero nada superfluo, nada que amargue porque es ostentoso. Pronto, la acción volvió a algo más mundano: bailarines poniendo mesas y manteles (instalación también de Baton Bland) mientras el audio hablaba de preparar a los invitados para la cena (música de Paul Damian Hogan). Estas acciones inculcaron un sentido de lo tradicional y familiar, cualidades que pronto también serían deconstruidas.
De hecho, el invitado que llegaba agregaba turbulencia al orden social del espacio; como podemos reconocer en nuestras propias vidas, el aire cambia en un espacio social con el ingrediente de alguien nuevo que ingresa. Todo esto sucedió sin palabras, como puede lograr el arte de la danza más deliberadamente creado: este transporte de sentimiento tácito con solo cuerpo y atmósfera.
También me llamó la atención, solo desde esta primera parte del trabajo, la fluidez de las transiciones: incluso si mostraba un claro contraste, incluso con el énfasis inevitable en la transición misma, los límites entre estos cambios cualitativos eran suaves. Así son ellos, después de todo, en la vida; no hay un «sí, estamos aquí ahora»; más bien, un momento sigue a otro, incluso cuando los cambios pueden sacudir el suelo debajo de nosotros.
Una transición, en la que un miembro del conjunto se comporta como un «macho man» (empezando a hacer flexiones, posar como un fisicoculturista y jugar con las sombras), me impactó. Aun así, pronto se me ocurrió que esa sensación incómoda de encontrarme con algo inesperado probablemente era intencional. Lo mismo ocurre con la fisicalidad más agresiva entre los personajes en el escenario, las vocalizaciones excitadas agregan más color sensorial.
Algo más dulce volvió a llenar el aire pronto, pero esas vocalizaciones se convirtieron en risas. Mi mente podría masticar capas de posibilidades aquí: por ejemplo, ¿es la excitación lo que no se ha dicho y no se ha resuelto entre nosotros, las ansiedades y las heridas no dichas, y es la risa la máscara social que nos ponemos? Un momento similar ocurrió después: intercambio de bromas cara a cara, pero ira e insultos expresados a puerta cerrada.
Este forraje mental puede ser una de las partes más emocionantes de trabajos como este. También hubo muchas ofertas para que los sentidos masticaran: el conjunto golpeando ritmos sobre la mesa, la partitura vibrante y en capas de Hogan, el vocabulario de movimiento de Batten Bland que fluye de una forma clara a una nueva forma clara.
La mayor parte de esto permaneció abstracto, pero la interacción real entre los artistas ofreció puntos de acceso a la conectividad. Ciertos elementos también fundamentan la acción en la narrativa: el canto de los grillos y las luces que se apagan para indicar el anochecer, por ejemplo. Toques culturales, como un artista que canta una versión de «RESPECT» de Aretha Franklin con letras alteradas para discutir temas relacionados con COVID (por ejemplo, CDC y vacunas).
Con cambios tan impredecibles en la calidad e interacciones misteriosamente abstractas, estos eran puntos que nosotros en la audiencia podíamos alcanzar al igual que los escaladores se aferran a pedazos seguros de roca. Estos elementos impredecibles continuaron con las mesas volteadas y uno de los artistas bailando con fluidez y atletismo sobre ella y alrededor de ella. La integración cinética clara combinada con el uso eficiente de la fuerza pura parecía impulsar momentos que desafían la gravedad aquí.
En el ámbito más amplio del trabajo, esta elección nos hizo cuestionar más nuestras suposiciones. Volvió a poner nuestras expectativas patas arriba, en sentido figurado y, con las tornas cambiadas, quizás literalmente. En este caso y en otros, cuando los bailarines colocan las mesas de manera no convencional, el espacio se transforma al igual que los bailarines continúan transformándose, a medida que se mueven a través de diferentes estados cinestésicos y socioemocionales, diferentes modos de ser.
Aparecieron más pequeñas viñetas de interacción, que representaban estos variados estados de existencia. Estas secciones estaban especialmente llenas del rico pero discreto vocabulario de movimiento de Batten Bland y la cautivadora ejecución de sus bailarines: a la vez firme y expansiva, a la vez suave y cinéticamente impulsada. Si a un miembro de la audiencia le resulta difícil conectarse con cualquiera de los elementos de vanguardia disponibles, este movimiento tiene más que suficiente para satisfacer.
La verdad emocional también era algo a lo que todos los miembros de la audiencia podían acceder. Conmovedoramente, cuando el trabajo llegaba a su fin, un miembro del conjunto encontró consuelo en un abrazo de—y calma en – otro miembro del conjunto. Esta corregulación ilustrada, cómo podemos encontrar la paz a través de los demás, de una manera más visceral y encarnada de lo que nunca la he visto ilustrada.
Sin embargo, las tormentas vuelven porque esa es la realidad; varias secciones posteriores trajeron más de esa calidad frenética e inestable. El punto no es evitar estas tormentas, sino volver a encontrar cielos despejados. Y lo mismo hicieron los artistas, o al menos algunos de ellos; un solo memorablemente ligero e integrado siguió a estas partes más emocionantes. Por el contrario, evocaba la armonía.
Los gestos suaves trajeron este sentido de armonía interior a la calma interpersonal. Poco después, el conjunto se reunió en el escenario mientras se apagaban las luces, tomados de la mano. Mientras experimentaba este momento, pensé que mucho era posible desde allí, era como si estuviera asombrado por la inmensidad de toda esta multitud y estuviera ocupando por completo mi espacio mental.
Reflexionando sobre esto ahora mientras escribo esto, lo que me parece más notable es este sentido de conexión y cuidado; tal vez el propósito de todo esto es explorar diferentes estados de existencia y desafiar nuestras ideas preconcebidas (de lo contrario, ¿por qué sería realmente importante, pero para trabajar en las mejores maneras de cuidarnos unos a otros y a nosotros mismos?).
En un breve discurso después del espectáculo, Batten Bland confirmó que se sintió «abrazado» por aquellos con los que la compañía trabajó en Boston durante su breve estancia en la ciudad. Solidificó la idea más amplia de atención comunitaria para mí. Gracias, Company SBB // Stefanie Batten Bland, por un trabajo que fue acogedor, aunque, a veces, desafiante e inquieto. A cualquiera que venga a nuestra mesa, démosle la bienvenida y alimentémoslo de la misma manera.
Por Catherine Boland de Dance Informa.
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