Nuevas tradiciones de baile que compartimos: Newport Dance Festival 2022

La gente se desparramó frente al escenario, a través de un césped grande y exuberante, algunos con comida y bebida preparadas: ¿es este un festival de música de verano o un Shakespeare de verano? No, es el Newport Dance Festival: una reunión anual de artistas de todo el país y mundo, en el espíritu y la misión del intercambio creativo. Otro objetivo clave del festival y (todas las señales apuntan a) un impacto tangible del mismo es la accesibilidad más amplia de la danza; ofrece una atmósfera informal que puede sentirse más acogedora para muchos miembros de la audiencia moderna que el teatro de proscenio.

El festival de 2022 muestra muchos valores y tendencias emergentes en el mundo de la danza actual, pero también está arraigado en los tipos de tradiciones y perspectivas de la danza de concierto que hacer trabajar. El festival se ha convertido en una tradición que refleja cómo el mundo de la danza está creciendo junto con el mundo que lo rodea – nuevo una tradición de investigación intelectual y artística, adaptabilidad y amplio acceso a la comunidad local. Este es el baile que podemos todo compartir e incluso ayudar a dar forma.

Khambatta Dance Company obtuvo el segundo lugar en el programa Especie en peligro (2018), coreografiado por Cyrus Hambata con los bailarines, un trabajo con una amplia paleta de movimiento, así como resonancias de memoria y conexión humana. Una atmósfera misteriosa llenó la apertura de la pieza, una partitura premonitoria y una asociación intrigante que se elevaba a medida que crecía el impulso en el aire.

Algo más divertido comenzó a crecer a medida que caía un nuevo ritmo y el movimiento adquiría un nuevo espíritu de exploración. Bailarines girando en forma de estrella en el aire, levantados por parejas, con las piernas dobladas y los brazos ondulando como algas: ¡este no era el ballet de tu abuela! El movimiento incluso adquirió una calidad lúdica, con una repetición estructurada que recuerda a los juegos y los encogimientos de hombros que provocan la risa.

También fueron agradables los reflujos y flujos de velocidad y poder en la calidad del movimiento, permitiendo que todas estas cualidades llenaran el aire con aún más claridad y dinamismo. Ofrecía, en términos de vocabulario de movimiento y cualidades de movimiento, tenía todo menos el fregadero de la cocina, como dicen.

Una atmósfera más misteriosa regresó con un dúo memorable. También hubo un tira y afloja dinámico entre el vuelo y la puesta a tierra, elevándose con esperanza y luego asentándose de nuevo. Una bailarina fue superada físicamente, incluso se puso de pie, pero pronto se puso de pie para levantar su corazón al cielo. ¡Resucitando con esperanza, de hecho!

El conjunto regresó, uniendo los brazos y colocando las manos sobre los hombros para crear apoyo. Los divertidos toboganes están de vuelta en los juegos de patio de la escuela. Al principio de la pieza, una parte de mí quería algo que pudiera unir todo en esta amplia paleta de movimientos para que todo estuviera más conectado. En esta sección de cierre, vi este hilo de cohesión en este movimiento de conexión infantil y diversión.

Para el final, los bailarines miraron hacia arriba y elevaron sus corazones al cielo, un momento lleno de esperanza y promesa, como personas que cuidan a sus hijos con todos los años que les quedan por vivir. La conexión de almas en movimiento aquí también hizo que la mía se sintiera más ligera.

Esta pieza fue luego estrenada por Island Moving Company (IMC). Intrépido (para Mickey), del futuro director artístico de IMC, Daniel Genest, una obra que combina el poder de la suavidad con los riesgos atrevidos y lo cómodamente familiar. La pieza salió con un verdadero estallido, un movimiento enérgico que se unía a los colores brillantes del escenario (violeta, azul marino, rojo, naranja) para crear un zumbido vibrante. Los bailarines se movían individualmente al principio, encontrando la individualidad y disfrutando de sus únicos movimientos fuertes.

Se unieron al unísono en poco tiempo, el poder de su movimiento se convirtió en más que la suma de sus partes. En ambas secciones, el movimiento fue atrevido y poco convencional. Los bailarines también se movían a través de formaciones que se sentían flexibles y moldeables, pero sólidas, como arcilla. Algo hermoso estaba emergiendo de esta arcilla, como pudo haber visto Miguel Ángel.

Todo esto dio lugar a una fuerza de un grupo de almas: capaces de unidad pero también firmes en sus propias verdades. Estos individuos también eran hábiles en una amplia gama de movimientos y modos de locomoción; volvieron al vocabulario de movimientos que habían hecho antes, pero ahora lo bailaban a una cuarta parte de la velocidad. Con una nueva partitura (música en la pieza de Max Richter y CO.AG), el estado de ánimo se convirtió en algo más agridulce: ligereza y esperanza mezcladas con momentos tiernos, a veces oscuros, en la asociación.

Como algo que me gusta ver más y más últimamente, esta sección tiene mujeres que animan a otras mujeres (dentro de márgenes de seguridad razonables, ¡somos lo suficientemente fuertes!). Esto se sumó al sentido de audacia y determinación de la pieza, profundizándose nuevamente con una sección final que adquirió más velocidad y énfasis rítmico. El conjunto crea formas que dejan espacio para que la luz y la energía se muevan dentro y alrededor de ellas. En la imagen del escenario más grande, los bailarines se pararon en formaciones cerradas, pero también dejaron entrar luz y energía. La esperanza es un cimiento y también un músculo a ejercitar, pensé aquí.

Los alumnos intensivos de verano preprofesionales de IMC bailaron junto al estilo elegante y jazzístico de Louise Chapman Ronda azul a la turca. El conjunto se movió con estilo y facilidad satisfactorios al son de los trinos y tonos de los instrumentos de la partitura (de Dave Brubeck). Bailaron en armonía y entendimiento cinético, como un grupo unido. Sin embargo, en un desarrollo estructural fascinante, una bailarina más tarde se separa del grupo y se pavonea, con confianza majestuosa y una columna vertebral arqueada suavemente. El resto del conjunto se movió en dúos, bailes de salón y bailes latinos, complementando lo que compartían.

En general, el movimiento fue estilísticamente rico y diverso, con múltiples influencias, todo juego justo. Sonreí para mis adentros al pensar en cómo estos preprofesionales novatos bailaban una paleta de movimientos tan estilísticamente exuberante y variada. Esto es emblemático del campo de la danza de concierto en el que se mueven estos bailarines, moviéndose con maestría y madurez artística encomiables, podría añadir. La pieza termina con un bailarín de pie mientras los demás descansan en el escenario, su feroz autosuficiencia brilla intensamente.

El siguiente es el Ballet Contemporáneo de la Costa Este Sombras del alma (2022), de Alejandro Ulloa. La obra ofrecía un claro mundo propio a través de un diseño cuidadoso y una maravillosa elección de movimiento teatral. Como parte de este mundo, las bailarinas usaban vestidos de «Can-Can» (vestuario de Nicole Elaine) mientras sonaba música francesa de la era de Edith Piaf. Se movían con un toque de la calidad robótica cómica de la muñeca bailarina Cascanueces, pero también con el contrato y el lanzamiento de influencias más modernas y contemporáneas del movimiento. Lo antiguo y lo nuevo se encontraron y se entrelazaron para crear algo completamente fresco y original, y también bastante maravilloso.

Este bohemio un mundo de la Francia clásica, clásico pero pintado con colores contemporáneos en la elección del movimiento y la estructura, se hizo más vivo a medida que avanzaba la pieza. Las secciones individuales, de varios dúos, tríos y secciones de conjuntos más grandes, se sintieron como capítulos en un libro de historias que describen este mundo. Ofrecía una mezcla heterogénea de emociones e interacción humana: lo tierno, lo cómicamente incómodo, lo oscuro, lo alegre.

El gesto, así como la elección consciente en el vocabulario más amplio del movimiento, sustentaron esta teatralidad, convirtiéndola en algo claro, pero no literal ni pesado. Ya sea que el movimiento esté ponderado para encarnar el estado de ánimo oscuro o la comedia física que se remonta a lo mismo en la era del cine mudo, las elecciones coreográficas de Ulloa se basan en muchas escuelas de movimiento diferentes, y utilizan lo que mejor se adapta a la acción y la atmósfera. .

Las secciones finales crean una sensación de grandeza y resistencia. El conjunto se movía unido, con orgullo: la fuerza que se encuentra en el apoyo común. Exactamente de acuerdo con este espíritu, el trabajo terminó con un memorable ascenso en vuelo ligero. Los otros miembros del conjunto crearon simultáneamente una imagen que recuerda a una ilustración clásica de un libro ilustrado, una de las muchas ilustraciones en movimiento que ofrece el trabajo. La pieza parece en parte una celebración de la música francesa de esta época, en parte una exploración de lo que se puede crear con ella en movimiento. Sea lo que sea, me llevó directamente a su entorno para una visita realmente agradable.

Cerrando el programa estuvo Mickey Olsen Hora cero, no mires atrás (1998) – que me ofreció otro mundo brillante capaz de cautivarme: una gran fiesta de tango convertida en baile de concierto (¡o al revés, se podría argumentar!). Los bailarines iban vestidos de rojo y negro, a juego con las cortinas rojas y negras que colgaban al fondo. La música de tango llenó el escenario y luego salió al césped frente al escenario para encontrarse con la audiencia.

El vocabulario de la danza latina mezclado con el sabor único del ballet contemporáneo de Ohlsen trajo aún más vida a este vibrante mundo del tango. Los bailarines se movían con el porte confiado y la clásica sensualidad del tango en su máxima expresión. Un solo de una mujer bailando con toda su fuerza y ​​orgullo ofreció una pizca de sexualidad más moderna en este mundo del tango clásico. Secciones adicionales, con un número variable de bailarines, ofrecieron pequeñas historias adicionales dentro de la historia más amplia de este ambiente de tango.

Un trío más lento y melancólico hacia el final me hizo pensar que este era el final de la pieza, pero siguió una sección de conjunto frenética y animada para terminar el trabajo. Me preguntaba si este trío menos vivaz podría haber sido un final más satisfactorio para el trabajo (menos realmente puede ser más, en la danza y más allá); aun así, Olsen tenía algo que contar en esta historia por derecho propio, fue maravilloso experimentarlo.

Además, como esta es la actuación final con Olsen como directora artística, fue conmovedor y memorable tener un trabajo tan vibrante de ella para cerrar el programa. En general, el trabajo proporciona la riqueza estilística y la clara construcción del mundo que funcionan en todo el programa que se ofrece, en cierto modo arraigado en las tradiciones de la danza de concierto, en cierto modo un paso adelante hacia el futuro de la forma de arte.

Como parte de la experiencia del Festival de Danza de Newport, los artistas y miembros de la audiencia formaron parte de este baile dinámico de lo antiguo y lo nuevo: nuevas tradiciones para llevar adelante con nosotros, surgiendo de este entrelazamiento y mezcla. El sol se ha puesto sobre el progreso de este programa, pero son posibles nuevos comienzos a medida que mantenemos y damos forma a esta forma de arte que amamos.

Por Catherine Boland de Dance Informa.

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